20. yüzyılın resmi - yeni bir sanat dili - Moskova Sanat Kültürüne göre sunum. 20. yüzyılın resmi - yeni bir sanat dili - Moskova Sanat Kompleksi'nin mimarinin daha da geliştirilmesi üzerine sunumu

Slayt 1

Slayt 2

Slayt 3

Slayt 4

Slayt 5

Slayt 6

Slayt 7

Slayt 8

Slayt 9

Slayt 10

Slayt 11

Slayt 12

Slayt 13

Slayt 14

Slayt 15

Slayt 16

Slayt 17

Slayt 18

Slayt 19

Slayt 20

Slayt 21

Slayt 22

Slayt 23

Slayt 24

Slayt 25

Bölümler: MHC ve ISO

Sınıf: 11

Ders türü: birleştirilmiş

Ders formatı: ders - bilgiyi geliştirmek, yeni bir sorunlu vizyon oluşturmak.

Hedefler:

• 19. - 20. yüzyılların başında Rus ve yabancı resim sanatında tarihi gelenekler ve sanatsal kültürün değerleri hakkındaki fikirlere estetik duyarlılığın oluşması.
• V. Kandinsky'nin eserlerine dayanarak “izleyici ile sanatçı arasındaki diyalog” kavramının gelişimi ve oluşumu.
• Öğrencilerin duygusal alanının eğitimi.

• 19. ve 20. yüzyıl başlarında resim sanatındaki sanatsal akımların ana yönelimlerini ortaya çıkarmak ve özetlemek;
• Çeşitli bireysel özelliklerle dolu, dönemin bütünsel, çok yönlü bir sanatsal resmini oluşturmak;

Teçhizat: bilgisayar, projektör, gösteri panosu.

Görüş mesafesi: ah tahtada pygraph, sunum - dersin konusuyla ilgili slayt gösterisi.

Slayt gösterisi: O. Renoir “Salıncak”, Paul Gauguin ““Vaaz Sonrası Vizyon veya Yakup'un Melekle Mücadelesi”, E. Munch “Çığlık”, V. Borisov - Musatov “Gölet”, A. Matisse “Kırmızı Oda” , S. Dali “Fillerde tasvir edilen kuğular”, P. Picasso “Les Demoiselles d'Avignon”, V. Kandinsky “İnek”, “Renk şemaları tabloları”

Ders planı:

I. Organizasyon anı. Dersin konusunun ve hedeflerinin raporlanması.

II. Ana bölüm. Kapsanan materyalin tekrarı, sınıflandırılması, genelleştirilmesi.

III. İşlenen materyalin analizine dayalı yeni bilgiler edinmek, “Kübizm”, “Soyut Sanat” akımını tanımak.

IV. Dersi özetlemek, ödev.

Dersler sırasında

Derse sanatçı Henri Matisse'in sözleriyle başlamak istiyorum: “Yaratmak, içinizde olanı ifade etmek demektir.”

BEN. Bugün görevimiz, resim tarihindeki bir dönemin, 19. ve 20. yüzyılların başlangıcının, yaratıcı arayışlarla, resim hakkındaki fikirleri ve sanatçının bu resimdeki rolünü tamamen değiştiren deneylerle dolu bir dönemin spesifik bir portresini yaratmak olacak. . Sanatta yeni bir avangard yönelimin doğduğu bu çağda, ne yazık ki hala pek çok kişi tarafından tam olarak anlaşılmamakta, hak edilmemekte ve inkarlara yol açmaktadır. Dersin başında ders sırasında cevap almamız gereken soru çeşitlerine karar vereceğiz.

Ders sırasında her zaman görebilmeniz ve kendi cevaplarınızı belirleyebilmeniz için bu soruları önünüze kağıtlara asıyorum.

1. Hangi sanatsal hareket avangardın başlangıcı sayılabilir?

2. Görsel gerçeklikten yeni bir gerçekliğin dünyasına geçiş hangi sanatsal hareketle başlıyor?

3.Sanatçının konusu nasıl ve neden değişiyor?

4. “Tasvir etmek” terimi neden “ifade etmek” terimine dönüşüyor?

II.Öncelikle “avangard”, “avangard” tabirini nasıl anladığınızı tanımlayalım.

Avangard, avangard, dünyada 19. ve 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkan hareketlerin genel adıdır. Sanatta yenilik, cesaret ve deneysel yönelim ile karakterize edilirler.

Şimdi her bir eserin avangart yönde kesin bir kilometre taşı olacak şekilde seçildiği sanat sergisine geçelim.

1. Fransız sanatçı O. Renoir'ın ilk tablosu. Bu sanatçının çalışmalarına ve sanattaki bu yönüne aşinayız. Neyi hatırlayabilirsin?

İzlenimcilik. “Salıncak” resmi.

Ah, şimdi bu çalışmayı biraz farklı değerlendirmenizi isterim. Sanatçı böyle bir konuyu klasik bir üslupla yazsaydı sanatçının yazım tekniğinde neler değişirdi düşünün?

Erkek ve kadının kıyafetleri lekesiz çiçeklerle boyanır, çimenler ve yapraklar daha dikkatli boyanırdı. Empresyonist yazının özelliği, gerçek dünyayı ışık ve gölge oyunuyla, renkleri spektrumlara bölerek tasvir etmektir.

Bu, işin ayrıntılı bir şekilde detaylandırılmadan "aceleyle" yapıldığı izlenimini veriyor. Klasik yazı stilinin empresyonistlerden farkı budur.

Empresyonistlerin alışılageldiği gibi değil, benim gördüğüm gibi resim yapma kararlarının, resimde gerçekçilikten ve olay örgüsü ilkesinden çıkış noktası haline geldiğini ekleyebiliriz. Şimdi dersin başında sorulan ilk soruya bakarsak, cevap zaten açık.

Avangard akımın başlangıcı empresyonizmdir. Doğanın gözün gördüğü gibi tasvir edildiği ve yazarın görüşünün görünen dünyanın yeniden üretiminin doğruluğuna üstünlüğü zaten gözlemleniyor. Bu yeni bir yönde atılan ilk küçük adımdır, bu onun başlangıcıdır.

2. Paul Gauguin "Vaaz Sonrası Vizyon veya Yakup'un Melek ile Mücadelesi."

Bu tablonun sanatsal yönüne karar verelim.

Paul Gauguin post-empresyonist bir sanatçı olarak kabul edilir.

Post-Empresyonistler daha da ileri gidiyorlar. Yalnızca gözün belirli bir anda gördüğü şeyin var olduğu iddiasını reddediyorlar. Paul Gauguin, insan duyumlarının yaratıldığı yasaların nasıl anlaşılacağı üzerinde aktif olarak çalışıyor. Başka bir deyişle, gerçeklik ile gerçek dışılık arasındaki sınırı bulmak, örneğin bir kişinin imajı ve onun duyguları. Ve bu görünmez dünya, gerçek olmayan dünya. Bu resimde açıkça görülüyor. Gerçeklik (Breton cemaati üyeleri) ile onların vizyonu (James ve Melek) arasındaki sınırı gösterdi.

Gelelim sorularımıza. İkinci sorunun cevabı az önce yanıtlandı. Post-empresyonizmin sanatsal hareketi gerçek ve fantastik olanı birleştirir ve halihazırda “yeni gerçeklik dünyasına” doğru bir atılım gösteriyor”.

3. E. Munch “Çığlık”. Bu resim bize zaten tanıdık geliyor. Onun yönünü de biliyoruz.

Ekspresyonizm, ifade anlamına gelir.

İfade ise sanatçı dışavurumculukta tam olarak neyi ifade ediyor?

Bu durumda olumsuz insan duyguları: korku, acı, aşağılanma, umutsuzluk.

İnsan duyguları gerçek dünya mıdır, yoksa dünya insan gözüyle görülemez mi? İnsan duyguları, bunların çeşitliliği, gücü bize bir tür gerçeklik gibi görünebilir mi? Sonuçta dersimizin tamamı gerçeklik ve gerçek dışılık anlayışına dayanıyor.

Gerçekte muhtemelen hayır.

Bu amaçla şekil değiştirmeyi esas alan yeni teknikler kullanılmaya başlandı. Bu teknik, E. Munch tarafından ölümcül derecede korkmuş bir kişinin duygularını tuval üzerine aktarmak istediğinde kullanıldı. Ekspresyonizm nasıl bir dünya gösterisine dönüşüyor?

Ekspresyonizm, asıl şeyin insan duygularının olduğu “görünmez” bir dünyadır.

Dışavurumculukla ilgili olarak “ifade” kavramını nasıl açıklarsınız?

Muhtemelen insan duyguları tasvir edilemez, yalnızca ifade edilebilir.

Duygular gibi karmaşık bir olguya neden dikkat etmeye başlıyorlar?

Muhtemelen bir kişinin iç dünyasıyla ilgilenmeye başlarlar.

Ekspresyonizmin doğduğu yer hatırlarsanız 20. yüzyılın başında Almanya'ydı. Kültürel temellerin bozulmasının arka planında teknoloji ve endüstrinin coşkulu gelişimi. Kişiliğin bastırılması, insan hiçbir zaman o zamanki kadar küçük olmamıştı, ruhun arzusu, yardım çığlığı - bunlar dışavurumculuğun temel duygusal baskınlarıdır.

3. V. Borisov - Musatov “Hazne”.

Sembolizm hareketi, özellikleri: sanatçılar doğanın imajını arka plana iterler, onlar için asıl önemli olan fantezilerinin dünyası, görünmez dünyaları hakkındaki fikirleridir. Yeni gerçekliğin temsilcisi olarak “sembol” kavramı ortaya atılmıştır. Yeni gerçeklik yalnızca bir temsildir, bir fantezidir, dolayısıyla değişmesine izin verilir, yalnızca gerçek bir nesneyi hatırlatabilir. Ve sembolün mutlaka gerçek dünyadaki bir nesneye benzemesi gerekmez. Koşullu olarak benzer olabilir ve sonuç olarak, şartlı olarak tasvir edilmiştir.

Sonuç: Yeni gerçekliğin görünür dünyanın sembolü olduğu görünür ve yeni gerçeklik olmak üzere iki dünyanın teması fikri.

4. A. Matisse “Kırmızı Oda”.

Fransız sanatçı Henri Matisse'in "Kırmızı Oda" adlı tablosu ilk bakışta sıra dışıdır. Özelliklerini anlamaya çalışalım. Olağandışı renk şeması, düz görüntü. Sizce hangi yönde yazılmıştır?

Fovizm. (vahşi). Açık renk ve hacim eksikliği ile karakterizedir. Sanatçılar renk, hacim ve bir nesnenin resim düzlemindeki geleneksel tasviriyle ilgili deneylere devam ettiler; resim yüzeyinin dekoratif özelliklerine odaklanarak üç boyutlu alanın yanıltıcı yeniden üretimini bıraktılar.

Söylenen her şey doğru. Eleştirmen Louis Vauxcelles sayesinde "Fovizm" teriminin ortaya çıktığını biraz eklemek gerekiyor.

5. P. Picasso "Les Demoiselles d'Avignon".

Hangi avangard hareketi temsil ediyor?

P. Cezanne'ın şu sözlerini hatırlayın: “Doğada her şey top, koni ve silindir şeklindedir. Bu basit rakamlar üzerine yazmayı öğrenmeliyiz. Bu formlara hakim olmayı öğrenirseniz, ne isterseniz yaparsınız” (MHC, 11. sınıf, yazar L. Rapatskaya, s. 110). Ancak P. Cezanne, bu temel biçimlerin resmin düzenleyici ilkesi olarak akılda tutulması gerektiğini kastediyordu. Ancak Picasso ve arkadaşları bu tavsiyeyi tam anlamıyla dikkate aldılar. Bu hareketin adının ortaya çıkışı, Braque'in yeni resimlerini "kübik tuhaflıklar" olarak nitelendiren sanat eleştirmeni Louis Vaucelle ile ilişkilendiriliyor.

Dolayısıyla elbette hepimiz artık hangi akımdan bahsettiğimizi anladık.

Kübizm hakkında, yazı özellikleri hakkında ne söylenebilir?

Bir düzlem üzerinde üç boyutlu nesnelerin inşası ile ilgili deneylere dayanmaktadır. Konu ve mekanın geometrik analizi sonucu yeni bir sanatsal formun inşası Sonuç öğrenciler ve öğretmen: Formla deneyler.

6. S. Dali “Fillerde tasvir edilen kuğular.” Sürrealizm hakkında bildiklerimizden yola çıkarak bu tablodan bahsedelim. Resim, yazı tekniğinden dolayı açıktır. Yazarı Salvador Dali, akımı sürrealizm.

Sürrealizm. İlham kaynağının insan bilinçaltında olduğu süper gerçekçilik, S. Freud'un teorisine dayanmaktadır. Öne çıkan bir temsilci S. Dali'dir. Mantıksız anlam. Resimdeki her doğa (kuğular, filler, ağaçlar) tamamen gerçektir. Ancak tuval üzerinde birlikte yaşamaları tam bir saçmalık.

Nereye geldik? İllüzyonların tasvir edilen dünyasına, sanatçının bize gösterdiği kendi Evrenine.

III.Öğretmen: Çeşitli sanat eserlerine dayanarak, izlenimcilikten gerçeküstücülüğe kadar avangardın gelişiminin mantığının izini sürdük. 19. ve 20. yüzyılların başlangıcı, sanat alanında olağanüstü keşiflerin yapıldığı, olağanüstü deneylerin yapıldığı, resimde sanatçının bir birey olarak yeni bir anlayışa kavuşturulduğu bir dönemdi. Bu gelişimin doğrusal olmadığını özellikle vurgulamak isterim. Her sanatçı kendisi için daha kabul edilebilir olanı seçti. Sonuçta sanatçılar artık tuvalde tasvir edilmiyor, fikirlerini açıkladılar, düşünceler, fanteziler, Evreniniz. Yön seçimi tamamen aklındaki fikre bağlıydı. P. Picasso'ya bir sonraki resmi hangi yönde yapacağı sorulduğunda yaklaşık olarak şu cevabı verdi: "Fikrimi daha iyi ifade eden." Resim tasvir etmeyi bıraktı, resim sanatçının fikrini ifade etmeye başladı. Sanatçı yavaş yavaş yaratıcı olur ve bir resmin yaratılması bir yaratma eylemidir. Daha önce geçmiş yüzyılların ressamlarının resmettiği görünen dünya artık ilham vermiyordu. Sanatçılar, bizim göremediğimiz ama bütünüyle yanı başımızda yaşayan “öteki” dünyadan ilham almaya başladı. Duygularımızın, deneyimlerimizin, fantezilerimizin dünyası. Bir ressamın tuvale aktarabileceği imge dünyası düşünülürse ne kadar genişler. Sonuçta sanatçının yarattıkları yalnızca kişisel hayal gücüyle sınırlıdır. Dolayısıyla sanatçının rolü değişiyor, artık “Yüce Tanrı'nın yarattığı dünyanın kopyacısı değil”, bizzat yaratıcının kendisi, kendi evrenlerinin yaratıcısı. Malevich şöyle dedi: "Ben her şeyin başlangıcıyım, çünkü dünyalar benim bilincimde yaratılıyor." Tanrı'nın yarattığı dünya onlar için ilginç değil; dahası, kendilerini Tanrı - yaratıcı gibi hissediyorlar. Ve eğer bunlar yaratıcıların - sanatçıların - yarattığı dünyalarsa, o zaman evrenin yasaları yalnızca sanatçının kendisinin bulduğu yasalar olacaktır. Ancak burada, her şeyden önce sanatçının yarattığı dünya fikrini anlamada pek çok zorluk ortaya çıkıyor. Bu, izleyicileri her resimde belirli bir edebi olay örgüsü görmeye alışkın olan avangart sanatçılardan büyük ölçüde uzaklaştırıyor. Bir fikrin içine nüfuz etmek ve onun bir resimdeki ifadesini anlamak zor ama ilginç bir iştir. Bir ifadeyi alıntılamak istiyorum: “Resim karmaşık olmalı. Ona baktığınızda daha karmaşık hale geliyorsunuz. Bir merdivene tırmandığınızda sizi yukarıya çıkaran şey merdiven değil, gösterdiğiniz çabadır." Elbette resmin netleşmesi için duygusal ve entelektüel çaba sarf etmeniz gerekiyor. Ama buna da büyük bir ilgi var!

Ama daha fazla düşünelim. Ressamın, örneğin Salvador Dali'nin resimlerinde bize gösterdiği o görüntüler gerçek olacak mı? Bunları kendisi nasıl yaratabildi? Resmi, izleyiciye görünmez fantezi dünyasını aktararak mı yaptı? Sonuçta, sanatçının başlangıçta fantezi dünyasında yarattığı imajı, sanki gözbebeği aracılığıyla içeriye doğru görüyormuş gibi görüyor. Peki boyalı resminde ne görüyoruz? Gerçek mi yoksa kopyası mı?

Tam olarak bir kopya, bir kopya!

bunlar, kendi dünyalarının fantezileri olsa da, yine de kopyalar olacak. Ancak avangard sanatçıların kendilerinin de anladığı gibi, sanatçı bir yaratıcıysa, yarattığı dünya bir kopya değil, yalnızca gerçek olmalıdır. Peki bir sanatçının kendisi gerçekten ne yaratabilir? Bir örnek kullanarak anlamaya çalışalım.

M. Saryan'ın “Natürmort” tablosu.

Burada ne gösteriliyor?

Üzüm, muz, armut.

Bunlar üzüm, muz, armutsa tadına bakalım.

Çocuklar bunun yapılamayacağı sonucuna varırlar çünkü... Bu sadece bir meyve resmi.

Bu, yalnızca bir görüntüyü veya gerçek nesnelerin bir kopyasını gördüğümüz anlamına gelir. Ancak bu, avangard sanatçıların yaratıcı rollerine ilişkin fikirlerine uymuyor.

Eğer görüntü bir kopyaysa, peki burada gerçek olan ne? Bakın elimde ne tutuyorum? (çerçeveli reprodüksiyon). Çocuklar şu sonuca kendileri varmalıdır:

Gerçek olan elimde tuttuğum bir tuvaldir ve üzerinde boyalar vardır... elinizde tutabildiğiniz resmin kendisi gerçek bir nesne gibi hissedilebilir. Gerçek gerçeklik, resimdeki meyve tasvirinde değil, resmin kendisindedir.

Resimde başka ne gerçek? Tuvalin yanı sıra başka ne görüyoruz?

Çocuklar bir sonuca varmalı

Şu anda meyveleri tasvir eden boyalar.

Avangardizmin yeni bir mantığı ortaya çıkıyor: “Bir tablodaki renkler gerçekse o zaman bu renklerin yaşamını tuvalde anlatmak gerekir!”

Bu nedenle sonuç nedir?

Resimde resim, gerçek ortamda maddi bir şey olarak kavramsallaştırılmaya başlandı. Yalnızca boyalar maddidir, bu nedenle maddi bir şeyin (resim) üzerinde neyin tasvir edileceği o kadar önemli değildir (yalnızca boyalar önemlidir), bu nedenle sanatçılar tuval üzerine boya dışında herhangi bir şeyi tasvir etmeyi reddederler. Sanatçının fikrini nasıl anlayabiliriz? Sonuçta her zaman önce fikir gelir, sonra geri kalan her şey... Ve yine önemli bir anlayış ortaya çıkıyor: izleyici ile sanatçı arasındaki diyalog. Şu sözleri hatırlayalım: Merdivenleri çıktığınızda sizi yukarıya çıkaran şey merdivenler değil, gösterdiğiniz çabadır.” Sonuçta merdiven, çaba harcamadan genişletilemeyen entelektüel seviyemizdir. Bunu düşün. Avangardın eserlerini anlamak kolay değil ama bizi onlara çeken de bu.

Resim herhangi bir gerçekliği tasvir etmekten vazgeçiyor; kendisi bu gerçekliğe dönüşüyor. Bu yüzden çerçeveyi, tuvali, boyaları görüyoruz. "Ne görüyorsan onu görüyorsun" - Resim gerçek gibidir.

Şimdi soyutlamacılığın ekrandaki tanımına bakalım:

Soyutlama (Latince soyutlama - kaldırma, dikkat dağıtma), resim ve heykelde gerçeğe yakın formların tasvirini terk eden figüratif olmayan sanatın bir yönüdür. Soyut sanatın amaçlarından biri, bazı resimler tuvalin ortasında basit bir nokta gibi görünse de, izleyicide çeşitli çağrışımlar uyandırmak için belirli renk kombinasyonları ve geometrik şekiller yaratarak "uyum sağlamak"tır. Kurucular: Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova, Mikhail Larionov.

Ekranda V. Kandinsky'nin “İnek” tablosu var.

Pratik çalışma “izleyici ile sanatçı arasındaki diyalog”. Tablo 1, V. Kandinsky'nin “Ruhsal Sanat Üzerine” çalışmasına dayanan sembolik ve psikolojik bir sözlükle birlikte dağıtılmaktadır.

(Resim anlaşılmazlığı nedeniyle şaşkınlığa ve şaşkınlığa neden olur).

Şimdi şu sorularla kendimiz ilgilenmemiz gerekecek: "ne hakkında?" ve "nasıl?"

Ama önce sanatçının biyografisi hakkında biraz bilgi verelim.

Vasily Vasilyevich Kandinsky (4 (16 Aralık), 1866, Moskova - 13 Aralık 1944, Fransa) - seçkin bir Rus ressam, grafik sanatçısı ve güzel sanatlar teorisyeni, soyut sanatın kurucularından biri. Blue Rider grubunun kurucularından biri ve Bauhaus öğretmeniydi.

Moskova'da doğdu, asıl müzik ve sanat eğitimini, ailesi 1871'de oraya taşındığında Odessa'da aldı. Ebeveynler, oğullarının avukat olmasını amaçladı; Vasily Vasilyevich, Moskova Devlet Üniversitesi Hukuk Fakültesi'nden zekice mezun oldu. 30 yaşında sanatçı olmaya karar verdi; bu, 1895'te Moskova'daki Empresyonist serginin ve Claude Monet'nin "Saman Yığınları" tablosunun etkisi altında gerçekleşti. 1896'da Münih'e taşındı ve orada Alman Ekspresyonistleriyle tanıştı. Birinci Dünya Savaşı'nın patlak vermesinden sonra Moskova'ya döndü, ancak Sovyet Rusya'nın sanata yönelik tutumuna katılmayarak 1921'de tekrar Almanya'ya gitti. Son yıllarda Fransa'nın Paris banliyölerinde yaşıyor.

Sanatçıyı endişelendiren önemli sorulardan biri: “Nesnenin yerini ne almalı?” Sanatçının eserlerindeki nesnel dünya hâlâ bir ölçüde korunuyor. Ayrıca her zaman belirli bir kesişen olay örgüsü, bulunması gereken küçük bir alt metin vardır. Ancak sanatçının eserlerinde asıl önemli olan, sanatçının deyimiyle "ruhun titreşimlerini" heyecanlandıran temel unsurlarıdır. Bu: kompozisyonun gerçek tadı olan nesnellik (bir kişi, bir bulut, bir ağaç) olarak adlandırdığı, kompozisyon yasalarına göre oluşturulmuş boya, renk, şekillerin bir sentezidir.

Önce anahtarlarımızı - ipuçlarımızı, "İnek" görsel unsurunun hala korunduğu tabloya uygulamaya çalışalım. "İzleyici ile sanatçı arasındaki diyalog" "İnek birlikte düşünülür" pratik çalışması.

Sonuçlar sonunda.

Sonuç: Çalışmamızı özetlememiz ve şu ders sorusunu cevaplamamız gerekiyor: "19. - 20. yüzyılların başında resmi karakterize eden yaratıcı arayışlar nelerdir?" Bu yaratıcı arayışlar nerede başladı?

Sanatta avangard akım empresyonizmle başlar.

Post-empresyonizm, sembolizm - sanatçıların görünmez dünyayı kavramasının başlangıcına doğru bir hareket.

Sanatçılar, insanın duygu ve fantezi dünyasıyla ilgilenmeye başlar; kendi yeni gerçeklik dünyalarını yaratır ve tuvalde ifade ederler. Soyut resimler ortaya çıkıyor. Soyut resmin çarpıcı bir örneği V. Kandinsky'nin resmi olarak kabul edilir.

Başlangıçta vizyonunuzla ilgili tüm teorilerin kabul edildiği, çekinmemeniz ve neyin yanlış olduğunu söylemekten korkmamanız söylendi. V. Kandinsky'nin resimlerinin izleyici sayısı kadar yorumu var. Bu nedenle biz de mutlaka denemeliyiz.

“İnek".

• - Beyaz - Sessizlik, sessizlik, başlangıç. Ama burada saf beyaz değil, beyaz ve pembe. Renk, yeni bir gücün, enerjinin (kırmızıyla bağlantı) başlangıcı olarak nitelendirilir.
• Ancak ilk mantığı daha da vurgulayan kırmızı ve turuncu noktalar da var.
• Sarı - turuncu renk - dünyevi, insancıl, aktif, sağlıklı insan (kız).
• Üstü koyu mavidir. Yorumlamada birçok tartışmaya neden olur. İnsan duyguları - üzüntü hakkında sonuca varırlar ("kız üzgün. Şerit sarı-turuncu, bu da üzüntünün yakında geçeceği anlamına geliyor). Hayatta çok fazla üzüntü ve melankoli var.
• Yeşil - barış, sarı eklenmesiyle - üzüntünün yerini gençliğin neşesi, gelecekteki yaşamın enerjisi alır
• Beyaz giysi rengi yeni bir yaşamın değil, başlangıcın simgesidir.
• Siyah renk ölümdür, ardından hayat gelecektir (beyazlı kız).

Uzakta tapınaklara (küçük kubbelere) veya manastırlara benzeyen binaların beyaz duvarları var. Siyah, mavi ve beyazın birleşimi tek bir yasaya tabi olmak gibidir: ölmek ve yeniden doğuş. Beyaz renk saflığın ve sonsuzluğun sembolüdür.

Bu görüntüler inekten çıkmış gibi görünüyor. İnek, yaşam ve yeniden doğuş yasasının kaynağıdır.

Çalışmanın sonunda karşılaştırma amacıyla 2010 Sayılı “Art” dergisinde çekilen tablonun yorumunu okudum. Adamlar işlerinden memnundu.

Resmin müziği. Beyaz renk - henüz ses yok ama orkestra hazır... Tuba, artan davul ritmiyle sessizce çalmaya başladı. Çello ve kontrbas giriyor. Flüt yavaş ve üzgün bir şekilde çalıyor, ardından keman geliyor. Derin bir nefes gibi kısa bir duraklama. Melodi ufak değişikliklerle tekrarlanıyor çünkü “nehre iki kere girilmez”...

Kandinsky'nin kavramının temel ilkesi, rengin psikolojik etkisini belirleyen iki faktöre ilişkin ifade olarak düşünülebilir: "sıcak-soğuk" ve "açık-karanlık". Sonuç olarak, birkaç olası boya “sesi” doğar.
1. Tutum - sarı mavi. Sarı izleyiciye doğru "hareket eder" ve mavi ondan uzaklaşır. Sarı, kırmızı turuncu – neşe, kutlama, zenginlik fikirleri. Sarıya mavi eklerseniz (mavi soğuk bir renk olduğundan daha soğuk yapın), boya yeşilimsi bir renk alacaktır. Doğdu artan hassasiyetin acı hissi(müdahale edilen sinirli bir kişi gibi). Yoğun sarı boya insanı rahatsız eder, sokar, ruhu etkiler. Eğer sarıyı soğursanız, bu sizi parlak bir delilik noktasına kadar etkiler. Sanatçı bu rengi geçen sonbaharın renklerinin çılgınca savurganlığıyla karşılaştırıyor. Sarı toprak rengidir, derinliği yoktur.

2. Mavi. “Göksel boya” - sonsuzluğa çağrı. Kişiden merkeze hareket. Derin mavi - barış, alçaltılmış siyaha kadar - üzüntü. Açık mavi – kayıtsızlık, kayıtsızlık.

Yeşil – sarı ve mavi renkler felç olmuş durumda – barış: ne sevinç ne de üzüntü, pasif. Yeşile eklenirse sarı yeşil gençleşiyor , Daha eğlenceli. Ve tam tersine, maviyle birlikte ciddiyet, düşüncelilik. Açıklaştırıldığında (beyaz eklendiğinde) veya karartıldığında (siyah), yeşil “ilgisizlik ve sakinlik temel karakterini korur” (s. 48). Beyaz “kayıtsızlık” yönünü, siyah ise “barış” yönünü güçlendirir.

Beyaz Kandinsky'ye göre tüm renklerin, tüm maddi özelliklerin ve maddelerin yok olduğu bir dünyanın simgesidir. Bu dünya insandan o kadar yüksektedir ki, oradan tek bir ses bile gelmez. Beyaz büyük bir sessizlik, soğuk, sonsuz bir duvar, müzikal bir duraklama, geçici ama nihai olmayan bir tamamlanmadır. Bu sessizlik ölü değil ama olasılıklarla dolu ve başlangıç ​​ve doğumun öncesindeki “hiçlik” olarak anlaşılabilir.

Siyah- Olasılıklar olmadan “hiçbir şey”, ölü hiçbir şey, geleceği olmayan sonsuz sessizlik, tam bir duraklama ve gelişme. Bunu yeni bir dünyanın doğuşu takip ediyor. Siyah sondur, sönmüş bir ateştir, hareketsiz bir şeydir, bir ceset gibi, bedenin ölümden sonraki sessizliği, en sessiz boyadır.

Beyaz elbiseler saf neşeyi ve kusursuz saflığı ifade ederken, siyah elbiseler en büyük, en derin üzüntüyü ve ölümü ifade eder. Beyaz ve siyah birbirleriyle (sarı ve mavi gibi) dengeyi bulur gri. Aynı zamanda sessiz ve hareketsiz bir boyadır. Kandinsky griye “ diyor teselli edilemez hareketsizlik" Özellikle endişe verici koyu gri daha da teselli edilemez ve boğucu bir şekilde hareket ediyor.

Kırmızı. Canlı, canlı, huzursuz bir renk. Eril olgunluğu, gücü, enerjiyi, kararlılığı, zaferi, neşeyi ifade eder (özellikle açık kırmızı)

Cinnabar, kendi içinde “yanan”, tekdüze yanan bir tutku, kendine güvenen bir güçtür. İnsanların özellikle sevdiği bir renk. Kırmızının derinleşmesi aktivitesinde azalmaya yol açar. Ama hâlâ içsel bir parıltı, gelecekteki faaliyetlerin bir önsezisi var.

Menekşe. Acı verici bir ses, sönmüş ve hüzünlü bir şey ve fagot ve pipo sesiyle ilişkilendiriliyor

Turuncu - kırmızının ciddiyeti.

Ve V. Kandinsky, rengi müzik enstrümanlarının sesiyle karşılaştırdı. Sarı bir trompetin sesidir, açık mavi bir flüttür, lacivert bir çellodur, koyu mavi bir orgdur, yeşil bir kemanın orta tonlarıdır; kırmızı – tantana; Mor – fagot ve boru;

Çin resminin antik örneklerini ancak arkeolojik kazılardan öğrenebiliyoruz. Bu tür çizimlerin birkaç örneği günümüze kadar gelmiştir. Gu Kaizhi aynı zamanda "guohua"nın (kelimenin tam anlamıyla "ulusal resim") kurucusu olarak kabul edilir. Daha sonra ipek ve kağıt üzerine yapılan çizimleri tasvir etmeye başladılar. Kültür Devrimi'nden sonra Çin resminde bir canlanma yaşandı. Kültür Devrimi yılları Çin resmine onarılamaz zararlar verdi. Qin ve Han hanedanları döneminde fresk resmi gelişti.

"Sembol olarak beyaz"- Konu: Beyaz renk - Rus ritüellerinde ışığın mı yoksa üzüntünün sembolü mü? Tüm renkler “sıcak” ve “soğuk”, “ağır” ve “hafif” olarak ayrılmıştır. Siyah beyaz şık elbiseler sunduk. Amaç: Bir yas olayı sırasında beyazın sembolizmini incelemek. Peki neden sadece beyaz? Araştırma çalışması. Belediye eğitim kurumu MOU "Popovkinskaya ortaokulu". Yaşam, eski insanlar tarafından bir dizi doğum ve ölüm olarak tasavvur ediliyordu.

"Sanatta klasisizm"- Klasisizmin tarihsel koşulları. Lopukhina'nın portresi. 1797. Klasisizm -. Aydınlanma fikirlerinin yayılması. Devletin güçlendirilmesi, mutlak monarşi. Görüntü sistemi: Kesinlikle olumlu ve olumsuz karakterlere net bir bölünme. Şiirsel kanonlar N. Boileau (“Şiir Sanatı”, 1674) tarafından formüle edilmiştir. Klasik yazarlar. Ebedi olana, değişmeyen olana (örnek bir standart olarak antik çağa ilgi) yönelmek gerekir. Antik “doğanın taklidi”nden “güzel doğanın taklidi”ne. Klasisizm. St. Petersburg: Kazan Katedrali. Rasyonalizm (Aydınlanma felsefesinden, R. Descartes).

"Abylkhan Kasteev"- 1930'da Abylkhan Kasteev'in Moskova'ya ilk gezisi gerçekleşti. 1930'lardan 1940'lara kadar sanatçının "geçen" geçmişe dair düşüncelerini yansıtan "Eski ve Yeni Hayat" adlı geniş bir suluboya serisi yaratmaya çalıştı. Abylkhan Kasteev, Kazak SSR'nin Onurlu Sanatçısı unvanına layık görüldü. N.K. Krupskaya. 1937'de SSCB Sanatçılar Birliği'ne üye olarak kabul edildi. Sanatçı 2 Kasım 1973'te Alma-Ata'da öldü.

"16. yüzyılın sanatçıları"- Çalışma Lyceum No. 7 9 B sınıfı Khushvakhtova Guldasta Fedorova Kristina öğrencileri tarafından tamamlandı. Bruegel Peter. İçerik. Charles de Saullier, efendimiz de Morrett 1535, Galeri, Dresden. Alman ressam, ressam, gravürcü, sanat teorisyeni. Cranach Lucas. Pieter Bruegel Babil Kulesi, 1563 Sanat Tarihi Müzesi, Viyana. Lucca Madonna, 1430, Städel Sanat Enstitüsü, Frankfurt am Main. Dürer Albrecht.

"Gerçekçiliğin Gelişimi"- Parti üyeliği. 18. yüzyıl gerçekçiliği. Özgüllük. 18. yüzyılda önemli gerçekçi romanlar yaratıldı: Gerçekçiliğin ilkeleri. Gerçekçilik. Eleştirel gerçekçilik. Eleştirel gerçekçiliğin ilkeleri. Kural olarak sosyalist gerçekçi çalışmaların kahramanları işçiler ve köylülerdi. A.S. Puşkin, L.N. Tolstoy, F.M. Dostoyevski, A.P. Çehov. Sosyalist gerçekçilik. Sanatta gerçekçilik. Fransa'da Lillo - Almanya'da Diderot - G. E. Lessing, genç F. Schiller. Eserlerin kahramanları halktan gelmelidir.

Sunum önizlemelerini kullanmak için bir Google hesabı oluşturun ve bu hesaba giriş yapın: https://accounts.google.com

Slayt başlıkları:

20. yüzyıl resminin gelişiminin ana yönleri

Genel özellikler 20. yüzyıl, görsel sanatlarda tek bir üslupla birleştirilemeyen olağanüstü çeşitlilikteki sanatsal akımlarla işaretlenmiştir. 20. yüzyılın resmi, çeşitli stil ve yönelimlerle ve güzel sanatlarda yeni yollar arayışıyla karakterize edilir.

Güzel Sanatlarda Akımlar Fovizm (Henri Matisse); Kübizm (Pablo Picasso); Gerçeküstücülük (Salvador Dali); Soyut sanat (Wassily Kandinsky); Süprematizm (Kazimir Malevich); Analitikçilik (Pavel Filonov).

Fovizm 20. yüzyılın ilk sanat akımlarından biri de Fovizm (vahşilik) idi. Fovizm, düz görüntüler, kalın çizgiler ve sarı ve yeşil renklerin birleşimiyle karakterize edilir. Başlangıçta Fovizm yabancı bir sanat olarak kabul edildi, ancak daha sonra araştırmacılar onlarda benzersiz bir yaratıcı yöntem buldu.

A. Matisse “Dans”, 1910. Matisse'in resminin konusu, gördüğü halk oyunlarından esinlenmiştir. Başka bir versiyon - "Dans" - Yunan vazo resminin izlenimi altında yazılmıştır. Tuvalin ana ifade aracı, resimsel araçların özlülüğünün muazzam boyutuyla birleşimidir. "Dans" sadece üç renkte yazılmıştır. Mavi gökyüzünü, pembe dansçıların vücutlarını, yeşil ise tepeyi temsil ediyor. Resim bir tepenin üzerinde beş çıplak insanın yuvarlak dansını tasvir ediyor.

Kübizm Picasso Kübizm, piramidal yapılara ve geometrik cisimlere dayanan sanatsal bir harekettir. Kübizm gelişiminin birkaç aşamasından geçti: - analitik kübizm; -sentetik kübizm; Kübizmin ana figürleri Georges Braque ve Pablo Picasso'dur.

Georges Braque (1882 - 1963) “Keman ve Palet”, 1910. Georges Braque analitik kübizmin temsilcisiydi. 1908'de Paris'te bir sergi düzenledi. Ana tekniği, bir görüntünün diğerinin üzerine bindirilmesiydi - resmin çok yönlülüğü. Yazarın niyetini deşifre etmek izleyiciler için çok zordur.

Pablo Picasso (1881 – 1973) Picasso'nun ahlaksız bir topluma meydan okuyan "Les Demoiselles d'Avignon" adlı tablosu gerçek bir öfkeye neden oldu.

Hasır Sandalyeli Natürmort, 1912 Gerçek hayattan çeşitli nesnelerin kullanıldığı tablo sentetik kübizme aittir.

P. Picasso “Vollard'ın Portresi”, 1910

Sürrealizm Sürrealizm süper gerçekliktir. Resmen 1924'te ortaya çıktı. Gerçeküstücülerin çalışmalarında fanteziler, hayaller, rüyalar ve anılar özel bir önem kazandı. Sürrealistlerin resimleri gerçekliği gerçek dışılıkla birleştirdi. Sürrealistlerin ana teknikleri grotesk, ironi ve paradokstur. Temsilciler: Max Ernst, Rene Magritte, Salvador Dali.

Max Ernst. "Kral Oedipus", 1922.

Rene Magritte "Terapist", 1937

Salvador Dali "Hafızanın Kalıcılığı", 1931

Soyutlamacılık Soyutlamacılık Rus avangard olarak sınıflandırılır. Soyut sanatın temel ilkesi mekânın bilgisi ve yazılanın soyutlanmasıdır. Soyut sanatın temsilcisi Wassily Kandinsky'dir (1866 – 1944).

Soyutlamacılık

V. Kandinsky “Kompozisyon 6”, 1913

V. Kandinsky. "Baskın Eğri", 1936

Süprematizm Süprematizm sanatın en yüksek derecesidir. Kurucusu ve belki de figürlerinden tek kişi Kazimir Malevich'ti. Süprematizmin ana bileşenleri renk ve geometrik şekillerdir. Süprematizmin anlaşılması karmaşıktır ve algılanması tamamen kişinin hayal gücüne bağlıdır.

Malevich'in Süprematizmi "Çavdarı Hasat Etmek", 1912

"Kara Meydan", 1913

"Köylü Kadın", 1932

Sorular ve görevler Gruplara bölün. 1. Yönünüzün temel ilkelerini formüle edin. 2. Kendi tarzınıza uygun bir resim yaratmaya çalışın. 3. Resminizin konusu hakkında tutarlı bir cevap hazırlayın.